Steve Jobs tenia 100 beatles negros que usó casi todos los dias por mas de una decada. Arquitectos como Tadao Ando y Zaha Hadid han sido de sus mayores admiradores. Ademas de eso según una encuesta hecha por WWD en Japón, a 20 años de su retiro, sigue estando dentro del top 10 en la mente de la generación Z. El pasado 22 de abril, cumplió 82 años y su marca homónima cumplió 50; parece imposible «nunca estar desactualizado», pero como lo logró Issey Miyake?

El diseño no es para la filosofía, es para la vida

Aunque dijo que no diseña para la filosofía, si no para la vida cotidiana, nadie puede negar que en los últimos 100 años han sido muy pocos los diseñadores que hayan incorporado con ese detalle y delicadeza las filosofías del Asia Oriental en ropa verdaderamente práctica como él y que hayan tenido un impacto significativo en occidente.
Miyake, que rompió las reglas de la sastrería, usó la simpleza y variabilidad del plisado para acercar la ropa a la esencia del cuerpo, liberándola de la apariencia frágil y delicada para hacer del vestir un acto de libertad y belleza.

El nombre Issey Miyake es mucho mas que un bolso BAO BAO que esta en todas partes, desde los mercados informales de Londres, hasta Patronato y seguro esta por todos lados en los sitios de mercado pirata y demases. En los últimos 50 años, Issey Miyake, que nunca ha confiado mucho en el sistema de Paris, decidió empezar en Japón, mostrando al mundo que la existencia de una leyenda real de la moda no se limita por la edad, el género o las tendencias.

una infancia bajo el rugido de la bomba atómica

Puede ser dificil de imaginar que Issey Miyake, quien ha expresado alegría y libertad a traves de la moda a lo largo de su vida, sea un superviviente que estuvo al borde de la muerte como victima del lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima cuando tenía 7 años. Su madre falleció 3 años después del bombardeo a consecuencia de los efectos que tuvo la radiación en la población, Hiroshima una ciudad con cerca de 250.000 habitantes al momento del bombardeo vio morir a mas de 170.000 personas a causa del ataque de Estados Unidos.

Miyake raramente habla del recuerdo que tiene del bombardeo, solo se limitaba a explicar que diseñó su propia ropa con la intención de crear «algo que traiga de vuelta la belleza y la alegría, algo que no haya sido, ni pueda ser destruido».
No fue hasta 2009 que el discurso de Obama sobre el desarme nuclear lo empujó a abrir su corazón y escribir un articulo en el New York Time llamado «A flash of memory» donde expresó: «Sigo cerrando los ojos y veo algo que nadie habia experimentado antes: una luz roja cegadora, seguida de nubes oscuras, gente corriendo en pánico, pero no hay escapatoria».

«Cuando se lanzó la bomba atómica, yo estaba en primero de la escuela primaria. Al final de la clase de la mañana, de repente escuché una explosión entrando al salón. un vidrio roto de la ventana se incrustó en mi cabeza y estaba aterrorizado».

Hay quienes se inspiran constantemente en el dolor y quienes estan ansiosos por poder abrazar la luz desde entonces. Puede ser porque Issey Miyake creció con una desesperación tan indescriptible que ha aprendido mas que nadie que la vida y la libertad en si mismas, son suficientes para celebrar y festejar.

occidentalización de oriente

Despues de titularse en el Departamento de Diseño Gráfico en la Universidad de Arte Tama de Tokio en 1964, Issey Miyake fue hasta París para estudiar alta costura. Miyake se sumerge en Occidente: un año de alta costura en la Paris Fashion Union School, 3 años de asistente para Ji Longxue y Givenchy, y un curso de diseño minimalista después de llegar a Nueva York en 1969. El lenguaje que hay en el diseño de Issey Miyake es conocido como «El encuentro de oriente con occidente» y es precisamente durante estos ultimos 5 años donde ese lenguaje dió sus primeros pasos.

Estos cinco años de bautismo le permitieron sacar dos conclusiones sobre el diseño que se extendieron a lo largo de su vida, similares a las razones por las que Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto fueron clasificados como «Japan Shock» por el mundo occidental en la década de 1980. En primer lugar, cuestionó la tradición del diseño occidental de «de afuera hacia adentro» es decir, colocar telas en maniquíes y a partir de ahi dibujar líneas femeninas ideales a través de cortes, costuras y pliegues. En cambio, Miyake encontró mas valor en el enfoque tradicional del kimono «De adentro hacia afuera», primero considera una relación entre el cuerpo y la ropa y que la tela es una «segunda piel» humana.
En segundo lugar, se contagió del espíritu de libertad e igualdad de la Revolución de Mayo en Francia y el movimiento hippie, y se dio cuenta más claramente de que el «determinismo estético occidental» en el círculo de la moda tenia que cambiar; como respuesta a la personalización a medida para un pequeño grupo de gente rica, espera comenzar a explorar lo que sería «ropa universal» a partir de un diseño listo para usar (prêt-a-porter), con la esperanza de reinterpretar de alguna manera obras como poleras y pantalones que puedan satisfacer las necesidades de las personas en cualquier momento y lugar.

Este es el principio del lenguaje de auto-diseño de Miyake, pero el núcleo para resolver los dos problemas es el tejido, porque hacer una prenda con «un trozo de tela» es similar al principio de producción de un kimono: rara vez se ve que tan diferente es el estilo de un kimono, por lo que hay que explorar diferentes técnicas de tejido como el estampado, el teñido y el tejido para darle un efecto más rico y decorativo. También significa que los diseñadores necesitan entender las ideas fundamentales y los enfoques de las diferentes culturas sobre la artesanía de la tela.
Como un diseñador de ascendencia japonesa, la falta de herencia occidental en su crecimiento, a ratos fue vista como un aspecto negativo en su desarrollo, pero llegó a ver que también podía ser una ventaja:

«En lugar de limitarme, me liberó, no tenía otro lugar donde ir más que hacia adelante».

Es por eso que, mientras un grupo de diseñadores japoneses se convertía en una fuerza importante para establecerse en París, él decidió mantenerse fiel a si mismo y volvió a Japón en 1970 para crear su propio estudio de diseño, el Miyake Design Studio.

La ropa que atrapa el cuerpo no tiene sentido, no importa lo hermosa que sea

Con la ropa de Issey Miyake, se puede correr y saltar libremente, sin ninguna restricción. Cuando era niño, soñaba con ser atleta, y aunque su sueño no pudo hacerse realidad por una periostitis, aún sigue fascinado por la relación de movimiento entre el cuerpo y la ropa.
Antes de que su icónica colección de plisados se hiciera famosa mundialmente, ya habia trabajado en uniformes para equipos deportivos y presentaciones del ballet francés. Uno de los de los factores que más le atraían era la química entre la ropa y el cuerpo mientras ambos están en movimiento.

un pedazo de tela

El concepto «A-POC» (A piece of cloth o Un pedazo de tela) se transforma en el origen de todas sus creaciones posteriores y es la base de de los diseños de la marca hasta el dia de hoy. El concepto es tan sencillo como su nombre, sea una falda, un pantalon o un top, todo está hecho de una tela cuadrada. Este patrón desestructurado permite a Issey Miyake lograr la independencia que siempre quiso: romper con la sastrería occidental y al mismo tiempo mantener una distancia con la tradición oriental, aunque se puede sentir la filosofía de la cultura japonesa en cada una de las piezas.

Si decimos que el sistema de alta costura parisino se dedicaba al uso de una sastrería casi de ingeniería para conseguir el ajuste perfecto y un esfuerzo minucioso para resaltar las curvas, el espíritu estético central de Issey Miyake es lo contario, no se trata de hacer que el cuerpo se adapte a la ropa, si no dejar que la ropa combine con el cuerpo.
Un pedazo de tela solo es un pedazo de tela, pero ese pedazo de tela esconde un millón de posibilidades.
En un momento en que las tácticas de marketing sexy están desafiando los limites sensoriales de las personas, devolver a las telas los atributos simples que sirven al cuerpo es lo mas importante que ha hecho Issey Miyake en la historia de la moda.

Momentos

Desde el ascenso de Issey Miyake a la fama a finales de los 60s, hasta el anuncio de su retiro a finales de los 90s, su carrera como diseñador ha tenido varios momentos emblemáticos difíciles de borrar y que han influido en innumerables generaciones mas jóvenes.

1

SS1971: «TATTOO»

Issey Miyake, dejó París y lanzó su primera colección en Nueva York en 1970.
El articulo mas preciado de la colección fue un entero elasticado inspirando en los tatuajes japoneses pintados a mano. Los colores vivos que pintaron a Janis Joplin y Jimi Hendrix, fue la primera exploración entre el espíritu de villano y la artesanía tradicional de oriente.

2

1976: Issey Miyake and Twelve Black Girls

De vuelta en Japón, Issey Miyake eligió Tokio y Osaka para su show «Issey Miyake y las doce chicas negras», un experimento en el que buscó usar la moda para transmitir emociones y sentimientos.

3

1980: Issey Miyake Bodice

Explorar los limites de los materiales es el nucleo del diseño de Issey Miyake. Su experimentación va desde todo tipo de telas, hasta el plastico o papel, que aparentemente no tienen mucho que ver con la moda, pero que demuestran su nobleza según el uso que se les da.

4

SS1990：“Rhythm Pleats”

Podría decirse que es el vestido circular mas famoso del siglo XX, nació en la colección Primavera/Verano de 1990, hecho de dos piezas de tela circulares, fue el hito en el paso conceptual de telas planas a la confección tridimensional.

5

AW1990：“Horsehair jacket”

A diferencia de quienes diseñan a partide de dibujos, Issey Miyake parte cada colección con una búsqueda de materiales en conjunto con artesanos. Hecha de crin de caballo, esta chaqueta de una sola pieza, ha pasado por los principales museos de todo el mundo a lo largo de los años, es ligera y casi transparente, pero con una textura nítida.

6

SS1994：“Flying Saucer”

Cuando se posa sobre el cuerpo, se despliegan como acordeón, a medida que se mueven, proyecta una belleza casi espacial. Se extiende y contrae, y al caer al piso, vuelve a comprimirse quedando como una sola pieza, similar a una hora de papel.

Plisado

Los icónicos tejidos plisados de Issey Miyake se presentaron por primera vez en la colección Otoño/Invierno de 1989, y en 1993 se convirtió en una linea independiente llamada «Pleats Please». En este método de producción primero corta un paño de tamaño más grande de lo normal, luego usa una máquina para plisarlo, calentarlo y fijarlo, haciendo que el tejido bidimensional original sea tridimensional, siguiendo la tradición japonesa tradicional de «blanquear» entre el tejido y la piel. Esto no solo aumenta la belleza estructural y la flexibilidad, sino que también abre una nueva idea de que las telas también pueden definir la forma y función de una prenda.

La permanencia de los pliegues, significa que se puede plegar y guardar a voluntad. Lo anterior quiere decir que las prendas no están completas hasta que se visten, cuanto mas parezca que el diseño no esta acabado, mas puede tomar una aura y belleza totalmente diferente en cada persona. A partir de los pliegues, Issey Miyake pudo construir un discurso estético solido, no necesitó mas una sola prenda o incluso un logo, los pliegues como textura son su mejor marca.

Colaboración

En 1983, un encuentro casual con el fotografo de moda de Nueva York, Irving Penn, le dio a Miyake la oportunidad de contar con un socio visual que terminaría documentando toda su carrera de diseño.
Desde 1986, Irving Penn ha sido parte de todas las campañas mas memorables de Issey Miyake; aunque uno ceió en Oriente y otro en Occidente, llegaron a construir una profunda conexión casi sin quererlo. Esa conexión permite que tengan una forma particular de trabajar a distancia, Miyake diseña con su equipo en Japón, presenta en París, y despues de eso lleva la ropa a Nueva York dos veces al año, donde Penn conceptualiza y documenta de manera independiente.
A pesar de que nunca ha ido a un desfile de Issey Miyake e Issey Miyake nunca ha participado de la exposición fotográfica de Irving Penn, los dos a traves de la empatía espiritual y confianza al 100% han logrado construir una larga y maravillosa colaboración.

La naturaleza y el futuro de la ropa

Issey Miyake previó la sostenibilidad como un factor clave en la indistria de la moda, mucho antes que fuera un concepto manoseado, cuando se le pregunta sobre los desafíos que los jovenes diseñadores deben enfrentar en el futuro, el responde «reducir el desperdicio».
De hecho, cree firmemente que es necesario reducir el numero de formas o variantes de diseño; incluso despues de haberse retirado sigue revisando personalmente el look de cada temporada y le pregunta a su equipo: «Este vestido es comodo?», «Será muy molesto?», «Es lo suficientemente novedoso?».

En un momento en el que el mundo esta tratando de sumar cada vez mas eslogans y maximizar el efecto de celebridad en el diseño, Miyake se preocupa mas por el propósito de la prenda: «No importa si el diseñador es famoso o no, lo que importa es lo que su diseño puede lograr, el valor que tiene».
En el universo de Issey Miyake una prenda de vestir debería ser solo una prenda, pero a la vez, mucho mas que una simple prenda.
Tratar el diseño con dedicación y cariño, buscar la transversalidad, nunca conformarse por lo que ha sido creado por otros y experimentar para derribar paradigmas, es lo mas importante y permanente que Issey Miyake ha aportado al mundo, mucho mas aún que los pliegues, diseños y nuevos materiales.